Pero allá por 1996 Tool era un grupo que iba de gira con “Rage Against The Machine” y hacía videoclips en pelotas. Bueno, lo cierto es que para cuando salió el “Ænima”, Tool se iba volviendo una banda completamente original e inesperada; una revolución en el llamado “Nuevo Metal”.

“Die Eier Von Satan” más que una canción es una pasaje en la que una voz en alemán nos habla en tono de arenga política bastante violenta, especialmente al final. El fondo sonoro es de estilo industrial en la que se mezclan sonidos de máquinas, un gentío gritando, baterías invertidas, guitarras rascadas… Horrible; la verdad es que da miedo. Resulta que para los profanos en materia de alemán parece que el locutor -Marko Fox de la banda Zaum- se esta cagando en nuestra $&#! madre y sin embargo no es mas que… UNA RECETA PARA HACER GALLETITAS DE HACHIS!

Sin duda ésta gente tiene un sentido del humor más negro que el cojón de un grillo, y “Ænima” está impregnado de él. sin ir más lejos, para el interior del disco original crearon portadas de discos ficticios de Tool; a cada una más hilarante.

Os dejo la letra en alemán y traducida ¡para que practiquéis!

¡Ah! y si un día os da por hacerlas… ¡no olvidéis mandarme alguna en un tupper!

Letra original en Alemán

Die Eier von Satan

Eine halbe Tasse Staubzucker
Ein Viertel Teelöffel Salz
Eine Messerspitze türkisches Haschisch
Ein halbes Pfund Butter
Ein Teelöffel Vanillenzucker
Ein halbes Pfund Mehl
Einhundertfünfzig Gramm gemahlene Nüsse
Ein wenig extra Staubzucker
… und keine Eier

In eine Schüssel geben
Butter einrühren
Gemahlene Nüsse zugeben und
Den Teig verkneten

Augenballgroße Stücke vom Teig formen
Im Staubzucker wälzen und
Sagt die Zauberwörter
Simsalbimbamba Saladu Saladim

Auf ein gefettetes Backblech legen und
Bei zweihundert Grad für fünfzehn Minuten backen und
KEINE EIER

Bei zweihundert Grad für fünfzehn Minuten backen und
Keine Eier ..

En Español

Los Huevos de Satan

Media taza de azucar en polvo
Un cuarto de cucharilla de sal
Una punta de cuchillo de Hachis Turco
Media libra de mantequilla
Una cucharilla de azucar de vainilla
Media libra de harina
150 gramos de nuez molida
Un poco más de azucar en polvo
…y nada de huevos

Colócalo en un bol
Añade la mantequilla
Añade la nuez en polvo
Amasa la mezcla

 

Moldea la masa para formar trozos del tamaño de un globo ocular
Rueda los trozos en azucar en polvo
Y di las palabras mágicas:
“Sim sala bim bamba sala do saladim”

 

Colócalo en una bandeja de horno engrasada
Hornea a 200 grados durante 15 minutos
…Y NADA DE HUEVOS

 

Hornea a 200 grados durante 15 minutos
…Y NADA DE HUEVOS

Yo por lo menos recordaré siempre aquella noche porque fue una de las más divertidas y absurdas que hemos tenido todos juntos. Si, aquella en que todos íbamos con una tarjetita en el cuello de la camisa que -citando al libro de Herman Hesse “El Lobo Estepario” (puede que mi libro favorito)- decia: “Solo para locos”. Al parecer hubo ciertas escenas de “exaltado compañerismo” en las que Julían y yo “jugabamos” con un hielo, entre otros fenómenos para-anormales…

Pues nada, aquí os dejo las fotografías con su comparativa… dan mucho miedo

Al mas puro estilo King Crimson, Iván nos deleito con su pose más Prog!!

King Crimson Red… Aquí posteo el mensaje original del señor Nacho; el machote a la izquierda, por si no le conocéis… ¡¡Si nenas, y aún está soltero!!

Nota:

Ya veis que me aburro y entonces la creatividad se apodera de mi (eso y que estoy haciendo prácticas escuchando este discazo monumental).

Y digo voy a regalarle esto a mis colegas. Si os fijáis Carlos es el más afortunado, porque
Es guitarrista y en la portada original ocupa el lugar del tito Fripp. Además es el único que lleva gafas, como Fripp en la portada. ¿Es esto una señal de que será el sustituto de Fripp?

Pues no, pq a mi me ha tocao en el lado de Wetton, que es vocalista y bajista. Un poco bajo si soy, pero cantar solo canto cuando salgo de gimnasio y cuando me presiona la poli.

A Julián le tocó ser Bruford, el batería, pero este disco le traerá recuerdos hermosos, pues su última canción es Starless y él ya sabe que esa canción es suicida. ¡Esa canción te marcó una sensación de por vida Julian!

Espero que sus guste. Yo la imprimiré jeje. Os puedo facer copias.

Julián escucha este disco!!!!!!!!! A Carlos nada pq él es el que me lo reomendó.

Un abrazo amigos!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Neichin.

¡Ap! Tampoco se me puede olvidar añadir la respuesta a mi pequeño fotomontaje que hizo ese superser de potentes fauces, retoño de Satán que es Ivan … que mamón el tío

El siguiente texto acompañaba tamaña afrenta visual 

Ah, también os adjunto una foto reveladora, en la que llulian y el
progresivo nos demuestran que ellos también saben amar el arte y representan
una pelicula que parece ser que les gustó mucho, no sé, ya me contarán. (Lo
siento tios, no tenia otra foto en la que saliera el prog, bueno tengo otra,
pero no se le ve la cabeza)

Ai lof yu evriguan, mai fans, yu ar ol tu mi.

-IVÁN-

Pues nada más, disfrutad de la vida que es corta y absurda!!

Título: Islands.
Intérprete: King Crimson.
Año: 1971
Género: Rock Progresivo/ Art Rock
Calificación: 4.5 / 5

Casi 3 años después de su debut como teloneros de los Rolling Stones en el mítico concierto del Hyde Park en Junio de 1969, King Crimson sacó al mercado su cuarto disco “Islands”, que supuso el punto y final a su primera etapa, la más experimental y jazzística. Si “In the Court of the Crimson King” supuso un salto cualitativo en la concepción de la música rock, “Islands” representa la cristalización de las ideas musicales que se barruntaban en “In the Wake of Poseidon” y “Lizard”. La temática se basa en pasajes musicales inspirados en las Islas Baleares, que el letrista y poeta Peter Sinfield conocía muy bien.

Impresionante, embelesadora, virtuosa y sutil, “Islands” es un verdadero alarde de genio instrumental al servicio del concepto. El disco, cuya temática gira en torno a la idea de la isla como ideal psicológico, se nos presenta como un todo descompuesto en partes que va cobrando sentido a medida que se descubre, provocando una sensación de plenitud al finalizar, y que permite al que lo escucha bucear en un mundo de sensaciones evocadoras como pocas obras han conseguido hacerlo a lo largo de la historia de éste género. Es un disco que resulta diferente a cada escucha, y dependiendo de las condiciones iniciales de ánimo en las que se encuentre el oyente, éste se dejará guiar por los senderos de una de las mil historias diferentes que laten en esta obra maestra. Pieza clave es la calidad de los intérpretes, que forman una suerte de pequeña orquesta cuya riqueza es uno de los puntos fuertes del disco. Destacan instrumentistas como Burrel (voz y bajo), Mel Collins (saxos, flautas y voces), el padrino del proyecto Robert Fripp (guitarras, melotrón y harmonium), Ian Wallace (batería, percusión y voces), y Peter Sinfield. Además se requirieron cornetas, oboes y sopranos para la interpretación de algunos temas.
El disco abre con Formentera Lady, que estrena un contrabajo con arco de Harry Miller al que se le suma una flauta y el piano para finalizar con la percusión. Burrel comienza a cantar la primera estrofa, y se reitera el esquema pero añadiendo la guitarra y la batería que permiten cambiar el tempo y dejar a Collins fijar el estribillo con el saxo. La segunda estrofa nos sorprende con una guitarra acústica de Fripp que se desdobla, y a partir de ahí la canción se ramifica entre persecuciones de saxo y voz. De pronto comienza a nacer entre aullidos extraños la base rítmica del siguiente tema. Sin más dilación nos sumergimos en Sailor´s Tale, ejecutado al más puro estilo progresivo de la primera etapa crimsoniana. Enmarcado en un crescendo conducido por un pegadizo ritmo de bajo se exprimen los gemidos de un saxofón alto acompañado por los delirios a la guitarra de Fripp, que desembocan en una calma aparente donde de nuevo se reitera la guitarra con un eco de pesadilla que, al final, provoca la chispa que torna la quietud rítmica en una explosión de texturas instrumentales, volviendo a la idea del comienzo pero sobre el fondo de un evocador melotrón. El ritmo que impone la batería es infernal, heredado del jazz pero elevado a la enésima potencia, incluso en el juego con los platos. El caos nos conduce sin sensación de continuidad a la indefinible The Letters, en la que se alterna la agresividad de la guitarra combinada con un diálogo de saxo, que incrementa su crudeza hasta derivar en Ladies of the Road, sin duda una de las joyas del disco, que trata el tema de la groupies. Se incorporan de forma progresiva y jerarquizada por las estrofas de Sinfield, la guitarra primero, seguida de la voz, pandereta, bombo, contundente batería y un tórrido saxo al que se le añade una línea de bajo. Se le cede la palabra a Burrel, que canta como nunca, llegando a sobreactuar y encabezando unas sorprendentes armonías vocales apoyadas por Collins y Wallace al más puro estilo Sargent Pepper’s. Sencillamente magistral, una alternancia de interpretación vocal beateliana incrustada en la expresividad de un canto de cisne desgarrado sostenido por la dulzura de la flauta travesera. Impresionante es el final, donde se produce el duelo de titanes entre el saxo de Collins y la guitarra de Fripp.

Llegamos a la preciosa Song of the Gulls, una pieza de corte neobarroco para cuerda, pizzicatos incluidos, donde los integrantes demuestran su ingente formación musical. El disco finaliza con Islands, auténtico cuadro impresionista que rememora los atardeceres en Formentera. El sol se evapora en el océano entre leves notas de piano. La voz angelical y los instrumentos de viento generan un velo de melancolía sobre el espacio, pero con un atisbo de esperanza nimio, pero suficiente para que se cambie el ánimo a través del canto iniciático del saxo y un melotrón ascendente…Flauta, estribillo, oboe, corneta, estribillo… y cuando se agota todo se disuelve para dejar paso a un minuto en blanco en cuyo final puede escucharse una coda donde los músicos afinan instrumentos de cuerda, se oye un chirriar y hasta un metrónomo… y es que en King Crimson hasta el ruido suena bien.

Rock progresivo, improvisaciones jazzísticas…pasajes de violencia y quietud…cambios de ritmo constantes que se mueven sobre espirales de ideas reiteradas hasta la extenuación. Virtuosismo instrumental interpretado para almas sedientas de emociones imposibles de transmitir sólo con palabras. Un genio desbordado que nos brinda belleza en estado puro.

He aquí mi primer post de verdad, dedicado a Led Zeppelin. Como nuevo que soy en la “Blogsfera” al parecer he cometido un error, que, según el grandísimo Sergio Fornet (de ésto sí que sabe) no debería cometer ningún buen Blogger, y cito:

“¡Acho, Pijo! Como se te ocurre empezar un blog, poner un saludo… ¡y no subir ningun artículo!”

Pues aquí estoy presto para corregir mi error con un artículo que en poco se convertirá en un reportaje de radio. Cuando lo grabe y lo edite espero poder subirlo. Como tal, tiene alguna anotación de la música que debe sonar de fondo. Pensaba quitarlas ya que no son definitivas, pero si tenéis la música puede ser interesante convertir la lectura en algo “Audiovisual” ¿A que eso no lo hacen en otros blogs? Bueno, también es un buen punto de partida para los que no los conozcáis demasiado.

¿Y por qué Led Zeppelin? Porque si existe un grupo que haya supuesto un punto y aparte en mi vida como melómano ese a sido Led Zeppelin (Vaya… y Pink Floyd, no se vaya a enfadar conmigo David Gilmour… ya os contaré).

Lo que aquí teneis es una biografía con curiosidades y testimonios de los componentes de la banda. Me he servido sobre todo de un librito que tenía de la “Editorial La Mascara” para sacar la información y los comentarios.

Pues nada más, espero que los que no hayáis escuchado demasiado a éstos “viejunos venerables” os intereséis por su música; y que los que ya hayáis quemado con sus discos vuestros aparatos reproductores (no ese no, no te andes ahí ) volváis a desempolvarlos como he hecho yo…

¡Siempre es un placer volver a las raices!

(Continua para leer el artículo)

Led Zeppelin

Millones de fans, disturbios, drogas, sexo, cogorzas monumentales y sobre todo grandes y sólidos temas que ya forman parte de la memoria colectiva de medio mundo.

La leyenda de Led Zeppelin, que comenzó a forjarse en la década de los 70, sigue viva en la actualidad. Sin ellos no podríamos entender el Rock actual ya que, como banda pionera, fueron creadores involuntarios de toda la imaginería arquetípica del género.

 

“Led Zeppelin era un grupo atrevido, caótico y honesto. Corrió riesgos y alcanzó metas por las que trabajó duro. Su integridad musical reunía todos los elementos de aquella música maravillosa a la que habíamos estado expuestos. Fuimos como un filtro para todo lo bueno. Lo filtramos y lo mendigamos, lo tomamos prestado y lo robamos para construir algo original. Creamos una referencia con la que ha sido comparada mucha música”

- Robert Plant

Estas palabras del cantante del grupo Robert Plant son, sin duda, un buen análisis de lo que fue y supuso el fenómeno Led Zeppelin. En si, los componentes de la banda británica no inventaron nada. Sin embargo fueron capaces de sintetizar gran parte del blues, folk y rock ya existente para darle un nuevo impulso que inspirase a gran parte del las generaciones venideras; y ahí reside su verdadera grandeza.

Los principios de la banda se pueden rastrear en la banda “The Yardbirds”, por la que pasaron tres de los mejores guitarristas de la época: Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, futuro guitarrista de Zeppelin. Jimmy se unió a los “Yardbirds” en el año 66 como bajista hasta que en 1968 la banda se disgregó. Entonces Page intentó prolongar el espíritu del cuarteto ingles formando los “New Yardbirds”. Por entonces, y a pesar de su juventud, Jimmy contaba con una amplia experiencia como autor, productor e instrumentista, tras colaborar con artistas y grupos tales como The Who, Kinks, Tom Jones y Donovan.

En el verano de 1968 Jimmy descubrió a Robert Plant, el por entonces vocalista de la “Band of Joy”, una formación especializada en versionar temas de Jefferson Airplane y Moby Grape.

“Mi primera elección se dividía entre Steve Marriot y Terry Reid. Marriot se encontraba trabajando con los Humble Pie y Terry, que era mi candidato mas claro, me puso en contacto con Robert, del que nunca había oído hablar. Cuando le escuche cantar me quede muy impresionado, así que le invité varias veces a casa”

 

 

-Jimmy Page

Tras las reuniones en la casa que Page tenía en Pangbourne ambos decidieron unirse bajo el nombre de New Yardbirds y buscar dos músicos para que completasen la sección rítmica. Así fue admitido el bajista John Paul Jones, que ya contaba con una excelente reputación como músico de estudio, y el batería John Bonham, un viejo camarada de Robert Plant

“Yo tenía en mente un batería potente pero no estaba preparado para alguien como John Bonham. De hecho mi principal reticencia en cuanto al sonido que debía tener el grupo quedó atrás en cuanto le oí tocar”

 

 

-Jimmy Page

Con la entrada de Bonham en el mes de Septiembre de 1968 la formación de los New Yardbirds quedó formalmente cerrada y comenzaron los ensayos en un pequeño local. Así lo describe John Paul Jones.

“Era un sótano de la calle Gerrard, donde actualmente se encuentra Chinatown. Todas las paredes estaban cubiertas de amplificadores Marshall, excepto la de la puerta. Al principio nos mirábamos los unos a los otros preguntándonos que debíamos tocar. Yo estaba muy liado con las sesiones, así que conocía pocos temas. Jimmy propuso una versión de los Yardbirds, “Train kept a-rollin”. Dijo: ‘Es en Mi’. Empezamos a tocar y… ya está”

 

 

-John Paul Jones

Cabe también destacar el papel que el manager Peter Grant tuvo en el posterior éxito de la banda. Pipa, puerta de un bar, encargado de animación de un hotel, doble de acción, actor… muchos fueron los trabajos que desempeñó este singular personaje antes de pasar a ser manager de ruta de artistas tales como Bo Diddley, The Everly Brothers, Little Richard, Chuck Berry, The Animals, The Yardbirds y, finalmente, Led Zeppelin. Grant negoció el importante contrato discográfico inicial de cinco años por doscientos mil dólares con Atlantic Records, cifra impresionante para un grupo desconocido, y su filosofía comercial resultó en pingües beneficios. Convirtió las actuaciones en directo en elementos vitales de su estrategia, mejorando los beneficios para los músicos en detrimento de los promotores. Decía: “Si quieres ver a los Led zeppelin tienes que vivir uno de sus conciertos”.

Música: Good times, Bad Times

Con este tema comenzaba el primer disco homónimo de Led Zeppelin. Fue grabado en tan sólo 30 horas un mes después de la formación de grupo; si bien, no sería editado en Gran Bretaña hasta el mes de Marzo de 1969. Page dijo al respecto de éste disco

“nos sabíamos las canciones, las habíamos estado tocando durante una gira escandinava que tuvimos que hacer para cumplir con unas actuaciones pendientes que les quedaban a los Yardbirds. Las perfeccionamos, la grabamos y nos cambiamos de nombre”

 

 

-Jimmy Page

Varias son las explicaciones que se han dado al nombre de la banda. De lo que si se está seguro es que fue idea de Keith Moon; el excéntrio batería de los Who.

El disco consiguió en los Estados Unidos una entrada arrolladora en las listas de éxitos, favorecida por los conciertos que dieron en dicho país como teloneros de Vanilla Fudge y Iron Butterfly entre finales del año 68 hasta bien entrado el 69. Jimmy recordaba la respecto:

“Fuimos a América como teloneros de Vanilla Fudge, pero acabó siendo el principio de todo. Nos acogieron muy bien, en parte debido al hecho de que el público conocía a los Yardbirds y sentía curiosidad por lo que podíamos hacer”

 

 

-Jimmy Page

Música: Whole lotta Love

Entre actuaciones el grupo encontró tiempo para grabar su segundo álbum, Led zeppelin II, que contaba con unos pedidos anticipados de trescientas cincuenta mil copias, lo que le hizo entrar directamente en el número uno de las listas. A finales de 1969, la banda ya había ganado cinco millones de dólares por la venta de sus discos. Por aquel entonces el tema que ahora suena: “Whole Lotta Love”, era número uno en las listas de singles de Estados Unidos. Su edición como single no se produjo en Inglaterra de acuerdo a la voluntad del productor Peter Grant de hacer de la banda “un grupo creador de álbumes”. Esto diría al respecto Jimmy Page:

“No tenía sentido escribir un hit, puesto que en aquella época el LP dominaba el mercado. Así cada álbum reflejaba la fase anímica en la que nos encontrábamos. Por ejemplo, el tercer álbum fue compuesto durante e primer descanso de giras que tuvo el grupo en su carrera”

 

 

-Jimmy Page

Música: since I’ve Been Loving You

Y así fue como el tercer disco de la banda, Led Zeppelin III publicado a finales de 1970, ha pasado a ser conocido como el disco más relajado de la banda; con un sonido prominentemente acústico asentado en raíces folk. De él extraemos la canción que suena, “Since I’ve Been Loving You”, para muchos uno de los tema más emotivos y brillantes de Led Zeppelin. Con éste disco la banda volvió a alcanzar el número uno en las listas de ventas. Sin embargo, los resultados no fueron del todo satisfactorios ya que el disco fue mal aceptado por cierto sector del público que esperaba un disco más cargado de energía.

Con todo y con esto, ya por ésta época Led Zeppelin era un fenómeno de masas imparable y se empezaron a producir los primeros disturbios durante sus actuaciones; como el ocurrido durante un concierto del grupo en Milán. El público, enardecido subió al escenario y destrozó el equipo de sonido. La policía incluso tuvo que declarar “Area Restringida” las inmediaciones del hotel en el que se alojaba el cuarteto.

Música: Black Dog

Durante la primavera y el verano de 1971, Led Zeppelin grabó su cuarto álbum, editado sin título aunque conocido como “Led Zeppelin IV” o “Zoso” por ser lo que se lee en uno de los cuatro símbolos místicos que representaban a los integrantes de la banda en la carátula de éste disco. Con ésta nueva creación se confirmaba la buena trayectoria de la banda, gracias en parte a que en el disco se incluía uno de los mejores temas de Rock de la historia, “Stairway To Heaven”.

Música: Stairway to Heaven

Tan famoso es éste tema que se cita como el tema más pinchado en las emisoras de FM de Estados Unidos de la historia. Además tampoco está exento de su propia “leyenda negra”. Algunos dicen que incluye mensajes satánicos si se reproduce al revés, y esto llevo a suscitar alguna que otra polémica con la iglesia en su época. La banda no se pronunció jamás al respecto, como mucho, su discográfica, Swan Song, llegó a decir: “nuestros giradiscos sólo reproducen en un sentido – ¡hacia delante!” Nosotros nos quedamos con las palabras del crítico Jim Miller, de la revista Rolling Stone respecto a ésta canción.

“Es sutil sin sacrificar la continuidad del mejor rock’n’roll. El público que está convirtiendo a Stairway to Heaven en un himno tiene razón: si se quiere el rock como evasión, al menos que se haga con estilo”

 

 

-Jim Miller

Música: “No Quarter”

Entre giras y más giras, en el año 73 Led Zeppelín pudo publicar su quinto disco –el primero con nombre- titulado “Houses Of The Holy”. De él extraemos el tema que ahora suena, el excelente “No Quarter”, la aportación más importante a la banda como autor del bajista John Paul Jones. Robert Plant dijo las siguientes palabras acerca de éste disco

“Fue grabado en un momento de especial inspiración, Las canciones eran mucho más concretas, sólidas e imaginativas que las del cuarto álbum. Creo que es más variado y con la suficiente frivolidad como para atreverse con los ritmos jamaicanos.”

 

 

- Robert Plant

La banda no dejaba de arrasar, así como su público hacía con los lugares que acogían sus conciertos. Aquel mismo año, el público arrasó el pabellón de deportes de la ciudad de Lyon, trastorno que impidió que una semana después los Emerson, Lake & Palmer pudiesen ofrecer el concierto que tenían previsto.

Todo éste éxito convirtió a la banda en una máquina de generar dinero. Los conciertos batían todos los records de asistencia precedentes fijados por los Beatles, y, a pesar del coste de producción de dichos eventos, los beneficios eran de millones de dólares. Esto permitió a la banda desplazarse en el Starship, un Boeing 720 cuya longitud era la misma que la del avión del presidente Nixon y dotado de todo tipo de comodidades, incluido un local de ensayo. También fundaron su propia discográfica, la Swan Song Records.

Música: The Rover

Tras unas breves y obligadas vacaciones (a Jimmy se le habían diagnosticado síntomas de desnutrición) La banda volvió a los estudios para preparar su álbum doble, el apoteósico “Physical Graffity”. La gira norteamericana de presentación de éste disco fue todo un hito, con conciertos de cuatro horas y solos de guitarra de hasta veinte minutos. Con el apabullante éxito de éste disco, y tras llegar de nuevo al número uno, Led Zeppelín levantó el veto a los medios de comunicación y empezó a conceder entrevistas. Para muchos, en esta época la banda ya había tocado techo.

Y eso parecía confirmar el siguiente disco de la banda, aparecido en abril de 1976: el técnicamente perfecto, aunque emotivamente frío “Presence”, del que solo se salvaba el tema que ahora escuchamos: “Achilles last stand”. Las ventas disminuyeron en Gran Bretaña y se empezó a dudar respecto a la continuidad de la banda. Sin embargo en Estados Unidos fue el primer disco en alcanzar el estatus de disco de platino sólo por el número de pedidos por anticipado. El descalabro discográfico llevó a la banda a estrenar la película “The Song Remains The Same”, descrita por Peter Grant como “la película casera más costosa que se haya producido” y que fue acogida con gran éxito. Su banda sonora dio origen al doble LP del mismo nombre.

Tras la presentación de “The Song Remains The Same” Led Zeppelin no volvería a la actividad hasta abril de 1977, cuando se anunció una nueva gira americana publicitada como el mayor acontecimiento artístico de 1977. Con 51 actuaciones previstas y un millón trescientas mil entradas vendidas parecía que todo se desarrollaría de forma inmejorable, pero todo se vino abajo.

Ésta fue una gira jalonada de percances. Comenzó con la detención de Bonham, Grant y dos roadies de la banda por propinar una paliza a dos promotores tras un recital en California y terminó precipitadamente debido a la muerte del hijo de Plant, Karac, A causa de una extraña enfermedad. La suspensión de la gira más importante de los años setenta resultó ser un acontecimiento que con el tiempo marcaría el final de la banda.

El altercado que tuvieron Bonham y Grant durante la gira del 77 tan solo fue una de las pocas ocasiones en que salió a la luz pública la cara oculta de Led Zeppelín, pero se sabe que Page, Plant, Bonham y Jones aprovechaban su estatus de estrellas del rock para ver cumplidos todos sus deseos. Contaban con un buen número de groupies como, por ejemplo, Pamela Des Barres, Bebe Buell (una de las groupies mas conocidas de América y madre de la actriz Liv Tyler) y la quinceañera Lori Maddox. Ocasionalmente, Jimmy Page satisfacía sus gustos sadomasoquistas con Miss Cinderella a la que sometía a latigazos.

Una de las anécdotas más sorprendentes a éste respecto ocurrió en un hotel que el manager de los Moody Blues, Richard Cole, recomendó a la banda. Dicho hotel situado a la orilla de un río permitía a los inquilinos pescar desde las habitaciones. Los miembros del grupo se distrajeron en pescar hasta que alguien tuvo la feliz idea de emplear los orificios anatómicos de una groupie como depósito para los peces capturados. Al parecer el suceso salió a la luz porque alguien lo grabó en una cámara de Super 8.

Aparte de las historias oscuras relacionadas con el sexo es conocida la fascinación de Jimmy por el ocultismo. Sin ir más lejos, Jimmy era propietario de la Boleskine House a orillas del lago Ness que habia sido propiedad del maestro de las ciencias ocultas Alastair Crowley. Incluso las habladurías llegaron a acusar a Jimmy de la muerte del hijo de Plant debido a sus prácticas de satanismo. Esto obligó a Page a desmentir dichas acusaciones públicamente.

Música: In the Evening

1979 fue el año del final apoteósico de led Zeppelín. En Agosto actuaron en el festival de Knebworth ante doscientas mil personas y nueve días después publicarían su nuevo disco, “In Through The Out Door”, que abre con éste tema, y que fue publicado con 6 portadas distintas. Nos encontramos en el momento en que la embestida del punk ya había sacudido con fuerza los cimientos de la industria musical, sin embargo el disco llegó al numero uno en el Reino unido y vendió cuatro millones de copias en los estados unidos.

“Aquellas acusaciones lanzadas en nuestra contra durante el periodo punk… reproches de no tener ni idea de lo que estábamos haciendo, de superficialidad y de falta de sensibilidad… eran verdaderas. Debo admitirlo, entonces hacíamos mal: arrasábamos. ¡Debo declararme culpable!”

 

 

- Robert Plant

Y la banda seguía siendo considerada la mejor en directo, como demuestra el doble álbum del “Concert for the people of Kampuchea”, evento benéfico organizado por Paul Mc Cartney en el que participó Led Zeppelin.

En 1980, cuado parecía superada la crisis de 1977, la banda volvió a las grandes giras. El Zeppelín volvía a volar. Sin embargo tras una breve gira europea, John Bonham moría en la casa que Jimmy Page tenía en Mill Lane ahogado en su propio vómito, tras ingerir un total de cuarenta vasos de vodka en doce horas.

Mucho se especuló sobre un posible sustituto y se barajaron los nombres de baterías tales como Cozy Powell y Bev Bevan, pero en diciembre de 1980 se comunicó oficialmente la disolución del grupo, Finalizaba una era en la historia del Rock.

A partir de aquí los componentes de la banda siguieron sus propios caminos, los cuales muchas veces se cruzaron; incluso Plant y Page sacaron tres discos juntos. Sólo se han reunido bajo el nombre de Led Zeppelín en muy contadas ocasiones, con el hijo de Bonham a la batería y exclusivamente para actos benéficos, un ejemplo inigualable de dignidad y conciencia de grupo.

En la actualidad parece que los componentes de la banda huyen de un sueño que a muchos nos hubiera gustado alcanzar. Cuando en una reciente entrevista le preguntaron a Plant sobre las posibilidades de una posible reunión dijo lo siguiente:

“No es que se entorpezca la reunión, pero su significado se quedó en el pasado, y más allá no ha habido ninguna historia, y con la muerte de John (Bonham) y todo eso, todo desapareció. No hay necesidad de volver”.

 

 

- Robert Plant

Y parece que no van a cejar en su determinación. Mejor, así su estatus de dioses del rock permanecerá siempre intacto. Además, Las jóvenes generaciones siempre podremos disfrutar de su imperecedero legado, que no es otro que su inigualable música.

Con ella nos quedamos.

Gracias por leer este turrón ¡¡y hasta el próximo Post!!

Sin duda ese bienvenido es para tí que visitas este blog. Sin embargo, dentro de los receptores de este saludo (y caigo en el peligro de crear un absurdo bucle espacio-temporal, o, lo que es peor, parecer un ególatra) me gustaría incluirme a mí mismo. No han sido pocas las veces que me ha podido pasar por la cabeza la idea de crear un blog, y no ha sido hasta éste momento (3 menos diez de la mañana -si el reloj de mi nuevo ordenador no se equivoca- del 6 de Mayo de 2007) que he decidido dar el paso.

Ante todo querría dejar claro que estas letras no se habrían escrito si no fuese por la idea y el apoyo de un gran tipo cuyos pasos ahora me atrevo a seguir (a pesar de que me lleva en esto una gran ventaja). Él sabe quién es (¡leve referencia a tu blog en el título del mio!). Puedes visitar su blog que se encuentra dentro de mis blogs amigos.

Éste, sobre todo éste será un blog dedicado a la música, mi gran pasión. Comentaré sobre géneros, discos e incluso canciones sueltas.
-Si, ya… ¿Y quién eres tú y porque escuchar tu opinion?- dirás…

No pretendo imponer un cierto criterio sobre música a nadie, tan sólo creo haber “perdido” suficiente tiempo de mi vida escuchando y almacenando, incluso siendo un “tío plomo” para mis amigos mas cercanos como para poder escribir sobre ello, en un lenguaje llano y cercano. Si has dedicado tu tiempo a algo más productivo !Éste es tu sitio¡ Quien sabe… Lo mismo con ello consigo que salte la chispa de la curiosidad y te empuje a escuchar algún grupo desconocido que te fascine (o viceversa, ¡De eso se trata!). Muchas veces necesitamos ese impulso para prestar parte de nuestro tiempo a lo desconocido.

Y ésto es lo que yo creo…

La buena música es un arte que se debe apreciar con todos los sentidos y que, ante todo, debe sorprendernos

Espero vuestros comentarios y críticas (¡tanto hacia mí como musicales!) y que compartáis conmigo vuestros gustos, que esto no permita conocer y conocernos más.

¡Entre todos podemos aumentar nuestra cultura musical!

Pues, sin más preámbulos…

¡Que comience la música!